Lino Villaventura em entrevista exclusiva para a L'Officiel Brasil

O universo de moda do estilista Lino Villaventura é performático, teatral mesmo. Na passarela, os movimentos das modelos junto com a maquiagem, o cabelo e a trilha sonora criam imagens únicas que se repetem desde seu primeiro desfile. “Tenho a sorte de trabalhar com meninas que são incríveis, elas interpretam meu trabalho e gostam disso”, conta ele à L’OFFICIEL. Completando 45 anos de carreira, diz que sempre buscou criar um trabalho autoral, ainda que assustasse ou despertasse curiosidade no público, mas sem perder o foco na roupa que pudesse ser vestida. Essa, sim, sua grande preocupação.

Apaixonado por tecidos, revela o prazer que tem em bordar, tingir, unir e montar pequenos pedaços em moulage. E, também, dar a materiais simples, como palha de buriti ou escamas de peixe desidratadas, aparência sofisticada. “Acho que quando você não tem medo de errar é quando você consegue resultados originais”, analisa. Tudo isso para dar forma a peças esculturais – mesmo que o caimento seja fluido. Pouco afeito a temas, ele explica que o cinema e a literatura, de Fellini a James Joyce, sempre foram inspiração para o seu processo criativo, assim como exposições e fotografia. São caminhos que o levaram, ainda, para o desenvolvimento de figurinos para filmes, peças teatrais e balés. Parte de sua história, hoje, está no MAB (Museu de Arte Brasileira) da Faap (Fundação Armando Álvares Penteado), em São Paulo, e no Instituto Zuzu Angel, no Rio de Janeiro. A seguir, Lino faz uma retrospectiva de sua trajetória, fala de suas raízes, de moda e de emoção.

Você está comemorando 45 anos da marca. Que balanço faz dessa trajetória?
É incrível. Não consigo me situar que tenho 45 anos de profissão e 71 anos de vida. Acho que é porque não me sinto envelhecer. Mas quando você relembra coisas que fez e conheceu, é possível perceber que tem um histórico muito grande. Às vezes, quando vejo imagens de desfiles ou de figurinos que fiz, observo que realmente tem muito tempo. Tirando qualquer vaidade ou falsa modéstia, acho que meu trabalho é pioneiro no Brasil desde o início. Eu comecei em 1978 e ninguém fazia nada autoral, mesmo quem pretendia fazer algo autoral naquela época era muito parecido com o que estava sendo feito. Fiz um trabalho muito diferenciado que podia despertar susto ou curiosidade porque era original e por isso as pessoas acabavam respeitando. Também sempre me preocupei com a roupa, que precisava vestir, ser usada. E desfiles foram mais de 100. Eu me lembro que em 1985 fiz um desfile no Rio, junto com grandes marcas e estilistas cariocas, numa premiação chamada “O cinema na moda”, ou algo assim. Do camarim, comecei a ouvir muito barulho lá fora e as meninas [modelos] voltando emocionadas, chorando. Quando fui ver estava todo mundo aplaudindo de pé, vibrando, gritando meu nome e eu tinha pouco tempo de carreira. O material desse desfile está no MAB, o museu da Faap.

A marca tem um DNA forte. Quando você chegou à imagem de moda que conhecemos hoje?
Já na primeira peça, que foi um presente que fiz para Inez [um colete que ele bordou para dar de presente para a ex-mulher quando ainda eram namorados], havia esse fio condutor do que faço. Quando decidi que ia trabalhar com isso [moda] e não com arquitetura e engenharia civil [ele cursou as duas áreas], a parte estrutural estava lá. Hoje em dia tenho o Regis Vieira, meu colaborador, que faz comigo uma parceria muito forte na criação – ele me ajuda e me incentiva, me provoca também, o que é bom. Tenho sorte de ter uma pessoa assim do meu lado e a Inez, que faz toda a parte administrativa. São pessoas muito importantes.

Qual seu método de criação de uma peça?
Vou na intuição, raramente desenho. Coloco o tecido na mesa, corto em um monte de pedaços, mando bordar e fazer acabamento e depois monto. Acho divertido ver o resultado e me surpreendo muito. Também brinco, por exemplo, chamando a roupa de “Uau” porque é o que vem quando se olha para ela (risos). Não é fácil trabalhar com uma roupa tão específica, tão cheia de personalidade. É dispendioso porque não é uma roupa de grande produção, mas é uma roupa elaborada mesmo que seja uma t-shirt.

Você se sente realizado profissionalmente?
Se não fosse esse trabalho eu não teria tantas oportunidades de viajar pelo mundo, fazer desfiles em tantos lugares. Passei sete anos fazendo showroom em Paris duas vezes por ano. Quando fiz desfile no Japão, que saiu na primeira página do jornal em Tóquio, em 1989, ninguém exportava moda brasileira. A satisfação é enorme. Agora, “se sente realizado?” Não é o caso, né? Porque se sentir realizado é sentir que já fez tudo que tinha que fazer. Eu não acho isso.

Quando, nesses 45 anos, você começou a fazer nervuras e plissados e a juntar tudo isso numa mesma peça?
Eu fazia plissado nos anos 1980, mas comecei a achar que o plissado dava muito problema e comecei a brincar com nervuras, que são parecidas com plissados. Isso foi no fim dos anos 1980, início dos 90. Depois comecei a trabalhar com tecidos amassados e a fazer pregas desordenadas, que uso até hoje, e cada vez mais fui me sentindo mais seguro de mexer com tecido. Eu tinjo, bordo, faço vários processos sobre o tecido, como dublagens incríveis e sobreposição de bordados. Acho que quando você não tem medo de errar é quando você consegue resultados originais. Eu não tenho medo de errar, sempre dou um jeito. Quando vejo que não está indo como quero dou uma mudada e pronto.

Você é apaixonado por tecidos?
Muito. Eu brinco com tecido, não me importa qual seja. Desde a primeira peça que fiz na minha vida, [gosto] de transformar materiais não tão usáveis e luxuosos em algo sofisticado. Seja palha de buriti ou escama de peixe desidratada. Isso vem comigo desde muito antes de existir a preocupação com sustentabilidade ou reaproveitamento.

Isso tem a ver com a sua origem? Você é do Pará e seu trabalho tem muito a ver com o Ceará.
Acredito que sim. Sempre digo que tenho uma sorte enorme. Minha cidade, Belém, principalmente quando eu era garoto, me provocava muitos delírios porque tinha uma mistura de palacetes, de arquitetura francesa e a cidade era toda de paralelepípedos ingleses. Na minha cabeça aquilo era uma fantasia incrível. E ao mesmo tempo tem todo um lado indígena que é muito forte e na época não era tanto, mas a gente sentia isso na comida, no artesanato. Hoje em dia as pessoas valorizam muito mais, mas eu sempre gostei. Quando fui morar no Nordeste, no Ceará, aquilo ali complementou. É bem diferente o Norte do Nordeste: as festas populares, os materiais de pesquisa que recebo das pessoas, a arte popular nordestina que acho incrível. Quando comecei a vir para São Paulo em 1984 para fazer Fenit [Feira Nacional da Indústria Têxtil (Fenit) criada em 1958 pelo empresário Caio de Alcântara Machado] veio uma coisa urbana que acrescenta muito na minha imaginação. Hoje, olho o trabalho de textura e acho que é muito amazônico e que está relacionado com a brasilidade.